Вход

или войдите через

Бизнес или творчество? Когда художник объединяется с брэндом

Кто-то списывает это на финансовый кризис (дескать, в такие времена художникам сложнее продавать свои произведения), кто-то на желание таким образом популяризировать своё искусство и опробовать новые форматы работы, а иные и вовсе говорят, что всё дело в жадности. Так или иначе, но факт налицо – коллабораций известных художников с ещё более известными брэндами становится всё больше, и сотрудничество это происходит в рамках самых разных форматов*. Брэнды могут быть самыми разными: от Louis Vuitton до Supreme. А художники могут представлять самые разные жанры изобразительного искусства. Дэвид Линч снимал для Dior и Gucci, Роб Прюитт работал с Jimmy Choo, Джефф Кунс сотрудничал со Стелой Маккартни, а Дэмиен Херст и вовсе не стесняется набиваться в коллабораторы ко всем подряд. Последним эпизодом стала линейка скейтбордов (!), разработанная вместе с Supreme.

Началась всерьёз эта история с Энди Уорхола и поп-арта, а сегодня с наибольшим размахом продолжается в секторе стрит-арта и более конкретно граффити. Пожалуй, можно вполне определённо утверждать, что для многих художников такое сотрудничество (или, как вариант, организация собственного лейбла) является основным источником дохода. Хорошо ли это или плохо для творческой составляющей? Для того, чтобы хоть как-то судить об этом, стоит сперва разобраться, как работает весь процесс. Подходящая возможность представилась блогу Be In Art на фестивале Faces&Laces, который 10-11 августа прошёл в Парке Горького.

Ярким примером сотрудничества художника и брэнда стала представленная Reebok линейка кроссовок City Classics by Stash. Нью-йоркский художник граффити Stash собрал своих коллег для создания капсульной коллекции, посвящённой известным городам мира. Более десяти художников потрудились над образами для кроссовок Reebok, вдохновившись такими городами, как Лондон, Париж, Нью-Йорк, Филадельфия, Милан, Мехико, Токио, Москва и другими. Среди авторов кроме Stash значатся такие корифеи жанра граффити, как Wane, Swifty, Da Flow, Sicksystems.

Stash

К интересным сторонам этого проекта, прежде всего, относится его формат, который позволяет сравнить City Classics с групповой выставкой, в которой Stash выступает не столько автором, сколько куратором. А кроссовки в рамках этой коллекции – это не просто очередная оригинальная обувь, а индивидуальные работы, в которых невооружённым глазом виден стиль конкретного художника. Показательно, что при этом сам Stash, как и подобает «играющему тренеру» (куратору), разработал наиболее консервативный концепт во всей коллекции. Главное же, на взгляд обывателя, что получил Reebok, приурочивший этот проект к 30-летию своей классической модели Classic Leather, это кардинально новый имидж кроссовок, позволивший существенно отойти от образа «белой классики».

Stash, кстати, интересен не только своими коллаборациями с известными брэндами, но и тем, что кроме работ в стилистике граффити жалует и другие жанры изобразительного искусства. Так, например, европейские галереи периодически экспонируют его абстрактные картины. В том, как Stash расширяет рамки своего творчества, занимаясь самыми разными проектами, при желании можно увидеть путь, которым еще в 1980-х гг. пошли такие пионеры стрит-арта, как Жан-Мишель Баския или Кит Харинг, рисовавшие граффити, выставлявшиеся в галереях и стремившиеся интегрировать своё творчество в массовую культуру. Последнее особенно хорошо удалось Харингу благодаря открытому им магазину Pop Shop, где можно было купить вещи с отпечатанными на них работами художника. Так что не будет преувеличением предположение о том, что будь Харинг жив сегодня, он почти наверняка бы объединился с каким-нибудь брэндом в рамках интересного проекта.

Более того, можно достаточно уверенно констатировать, что для стрит-арт и конкретно граффити коммерциализация легче осуществляется именно таким способом – посредством интеграции в массовую потребительскую культуру. В том числе и через коллаборации с брэндами. В этом есть своя неумолимая логика: тот художественный стиль, который обыватель каждый день видит на улицах города, он может, при желании, получить в своё безраздельное пользование, например, приобретя те же кроссовки с мотивами известных художников Stash или Wane. При этом такое положение дел вовсе не отменяет того, что работы Баския продаются на аукционах за десятки миллионов долларов.

В этой системе каждый получает своё. Художники получают гонорары, позволяющие реализовывать другие проекты, корпорации получают новые идеи и финансовую отдачу, поклонники получают возможность, не выкладывая тысячи и миллионы долларов, получить кусочек художественного стиля, кусочек искусства. Ну и роспись или тег в альбоме/на кроссовке в качестве бонуса. Всё настолько естественно, что даже не возникает ощущения, будто художник пытается усидеть на двух стульях, от которого сложно избавиться, когда читаешь о скейтбордах Дэмиена Херста. Для тех же, кто начинал свою карьеру, расписывая поезда метро, такой заработок выглядит вполне естественным, ведь несмотря на пример того же Баския, миллион – крайне редкая цифра, когда речь идет о ценах на стрит-арт и граффити. Возможно, именно поэтому бизнес и творчество здесь идут рука об руку, нравится это кому-то или нет. И всё же, всегда важно соблюдать разумный баланс и не забывать о здравом смысле.

На фестивале Faces&Laces этот баланс был уж слишком явно смещен в сторону бизнеса. Так, многие из завсегдатаев фестиваля, который проводится уже далеко не первый год, сетовали на то, что большинство стендов было организовано по принципу «оцените\купите нашу последнюю коллекцию». На этом фоне Reebok удалось сделать, пожалуй, лучший стенд, который наряду с, собственно, новой коллекцией (притом, коллекцией весьма оригинальной и выделяющейся на фоне остальных) привлекал гостей еще рядом интересных событий. Кроме мастер-класса Stash посетители могли оценить мастерство молодых российских художников граффити – благодаря их стараниям стенд преображался буквально на глазах, а также перенестись в 1980-е (когда только начиналась история Reebok Classic Leather) и примерить на себя один из модных образов тех лет.

Мастер-класс Stash

Эволюция стенда Reebok (ниже)

Российские художники граффити работают под «присмотром» Stash

 

Как бы то ни было, а вся эта история была бы неполной без комментариев главного действующего лица. Воспользовавшись случаем, Be In Art поговорил со Stash и узнал, что он сам думает о коллаборациях с брэндами, сочетании бизнеса с творчеством и о работах легендарных пионеров жанра граффити.

Для начала, расскажите немного об этой коллаборации с Reebok. Как все началось? В чем состоит основная идея?

Sure. Я был связан с брэндом какое-то время, также, как я связан и со множеством людей в индустрии в целом. Мы обсуждали потенциальные проекты, идеи, но до конкретных дел не доходило. Мы продолжали контактировать, и вот, наступила 30-я годовщина создания модели Reebok Classic Leather. У них появилась идея сделать проект под общим названием City Classics и пригласить меня его курировать. Выбрать художников для работы, города. Кого-то они сами уже выбрали к тому моменту. Я подумал, что это замечательный вызов, более захватывающий, чем всё, что я делал в этой сфере когда-либо прежде. Потому что работать вместе с таким количеством совершенно разных художников, наблюдать за ними и быть частью такой отличной команды, доводить до ума этот проект было по-настоящему прекрасной возможностью. И вот теперь я в Москве.

Собираетесь ли Вы посетить все города, представленные в коллекции?

Ты будешь смеяться, но я был во всех городах, представленных в коллекции. Теперь настала очередь Москвы, которая оставалась единственным городом из перечисленных, где я не бывал. Вообще, нет такой задачи – обязательно проехаться по всем городам. Но Faces&Laces – настолько удивительное культурное событие, и в Reebok посчитали, что оно должно обязательно присутствовать в программе празднований (30-летия Classic Leather) и привезли новую коллекцию, которую я и представляю.

И как, Вам нравится Москва и такие места, как Парк Горького?

Мне очень нравится Москва. Я в буквальном смысле дитя города (city kid), поэтому в таком мегаполисе ощущаю себя естественно. Единственное отличие от привычной среды – это ошеломляющая история, архитектура. Красота этого города, его размеры – все это производит впечатление. Честно говоря, я влюбился в этот город!

Вас считают пионером в использовании элементов граффити в уличной одежде. Как, на ваш взгляд, этот тренд развивается сегодня?

Он лишь продолжает расти, становится больше, становится более творческим. Сегодня инструментов стало гораздо больше, а мир стал куда меньше. Так что идеи распространяются всё быстрее. Вообще, я считаю, досадно, что мы не можем наслаждаться вещами достаточно долго. Потому что все меняется слишком быстро! Например, этот разговор завершится, и мы не будем иметь представления о том, кто чем занят в конкретный момент. Сейчас я здесь, на Faces&Laces, смотрю на все эти (тюнингованные) американские машины и думаю «Ого, ребята, вы обращаетесь с ними лучше, чем мы»! Но посмотри на эти удивительные старые советские автомобили с дизайном, вызывающим уважение!

Так что работа над таким проектом и приезд в Москву – это возможность познакомиться с культурой, с искусством, с культурой сникеров, скейтбординга. Кстати, ведь скейтеры – это художники, музыканты. Как правило, они не просто скейтеры. У нас у всех есть какие-то интересы, желания, хобби. Вот почему мне нравится находится в этой атмосфере, в которой ощущается творческая энергия.

Искусство и конкретно искусство граффити сегодня – это в большей степени творчество или бизнес? Где проходит граница?

Ты знаешь, это очень каверзный вопрос, и на него можно ответить миллионом разных способов. Мне задавали его, и я отвечал на него много раз и по-разному. Поможет это ответить на вопрос или нет, но мой ответ: «Не знаю». Все смотрят на это по-своему. Кто-то говорит: «Йоу, я творю ради улицы, я делаю это не за деньги»! Я сам был таким. И когда мне предложили заплатить за какую-то работу, я подумал: «А что, неплохо». Ведь я занимаюсь тем, что люблю делать, делаю это так, как делал всегда, но теперь могу этим заработать на жизнь. В любом случае – это, прежде всего, твой собственный выбор. Конечно, когда ты приезжаешь в Москву, представлять коммерческую продукцию – это бизнес. Но сам проект не менее творческий, чем любые другие. Во все свои проекты я вкладываю мою энергию, мой стиль и всегда работаю с полной отдачей.

Можно ли сказать, что коллаборации с брэндами или свой собственный лейбл являются своего рода защитой в эпоху финансового кризиса, когда спрос на искусство падает?

Да кризис происходит постоянно. Счета же продолжают приходить, нужно заботиться о семье и т.д. – вот тебе и финансовый кризис. Так что это скорее просто вопрос заработка.

Каково сегодня соотношение в вашем творчестве между вашей работой в жанре стрит-арт, коллаборациями с брэндами и выставочными проектами в галереях? К чему вы сами больше тяготеете?

Я стараюсь проводить в творческом процессе как можно больше времени. Почти постоянно рисую. В основном в своей студии, но на самом деле везде, где есть для этого возможность. Проекты с брэндами тоже занимают значительную часть времени, являясь просто ещё одной стороной творческого процесса. Так что я бы сказал, что соотношение примерно равное.

Вы работали и выставлялись одновременно с такими пионерами, как Баския и Хэринг. В какой мере то, что тогда делали они, повлияло на ваше творчество?

Скажу тебе честно, тогда, в начале 1980-х, когда меня пригласили принять участие в групповой выставке, я даже не обращал внимания на имена, на других участников. Я просто переволновался от того, что моё творчество будет где-то выставляться! Ведь это было впервые в моей жизни – моя работа на стене галереи! Я просто хотел показать лучшее, на что был способен. Это уже потом люди начали что-то говорить и писать об этом, о составе участников той выставки. А тогда я даже не знал, кто есть кто. Влияние же, вдохновение, безусловно, присутствовало тогда и присутствует сегодня. Меня вдохновляют многие вещи, в том числе то, что я увидел на улицах Москвы.

Слышали ли вы что-нибудь о российских художниках граффити?

Видел много работ в городе, самых разных, интересных. Но о каких-то конкретных именах пока не слышал.

 

Примечание*:- «брэнд» – не ошибка, а авторское написание слова.

0 комментария Добавить комментарий

О нас, контакты, как добраться

"Be In Art" - пространство и платформа для реализации смелых идей в области современного искусства, образовательного и выставочного характера. В рамках программы "Be In Art" проходят выставки "нераскрученных" художников, лекции о современном искусстве, показы авторского кино, мастер-классы художников, режиссеров и других арт-деятелей, образовательные курсы и творческие вечера.
Телефон
+7(977) 706-25-00
Мы в социальных сетях
Москва,
м. Преображенская площадь,
1-я улица Бухвостова д.12/11, корпус 53 (НИИДАР), 4 этаж